Especial: Audrey Hepburn, 5 razones que hacen de ella un icono irremplazable

1. Por su elegancia innata, que iba más allá de su outfit.

Su formación como bailarina influyó en su porte, así como su origen humilde en su carácter afable; pero la elegancia, la clase, la gracia, o eso que los franceses llaman el je ne sais quoi, le era tan natural su icónica belleza.

2. Porque pocas mujeres han lucido los diseños de Givenchy como ella.

Cuando Hubert de Givenchy salió al encuentro de Miss Hepburn en su atelier se llevó una gran decepción al comprobar que no se trataba de Katharine sino de Audrey. Aquel sería el comienzo de una gran amistad entre la actriz y el diseñador que, pese a rechazar hacer el vestuario para la película Sabrina en un primer momento, no tardaría en caer bajo el influjo de aquellos ojos enormes enmarcados por largas pestañas y cejas espesas. Sabrina, Desayuno con diamantes, My Fair Lady... el artista y su musa nos regalaron algunos de los vestidos más inolvidables de la historia del cine.

3. Por estar divina con el pelo recién lavado, enrollado en una toalla, mientras cantaba Moonriver.

Truman Capote no estaba contento con la elección de Audrey Hepburn para su Holly Golightly pero con su interpretación y especialmente con esa canción que es, a día de hoy, un canto al amor, a la esperanza y la dulzura, al escritor no le quedó más remdio que rendirse al encanto de esta joven belga.

4. Porque todas hemos querido recorrer Roma en una Vespa, siguiendo su estela.

Desde el pañuelo al cuello, al galán a la cintura (Gregry Peck) , Audrey Hepburn puso de moda todo cuantó tocó en Vacaciones en Roma.

5. Por su apoyo y solidaridad a los más débiles, los niños.

Desde 1955 hasta 1993, tres meses antes de su muerte, Audrey se dedicó en cuerpo y alma a la defensa de los más necesitados. Ejerció de embajdora de buena voluntad de Unicef y creó la Audrey Hepburn Children's Fund. Cuando murió, no sin antes realizar su último viaje a Somalia, Liz Taylor pronunció sus famosas palabras: 'Dios tiene que estar contento de tener a un ángel como ella a su lado'.

Crítica de Saw VIII (Jigsaw)

Queda margen de maniobra para los guionistas Josh Stolberg y Pete Goldfinger que, basándose en los personajes creados por James Wan y Leigh Whannell, consiguen mantener el interés por el argumento de la cinta en todo momento, aunque nunca dejen de lado cierto aspecto televisivo en el tratamiento de la trama y la delimitación de los personajes. En otras palabras: no es una película que luzca especialmente en pantalla grande ni un producto arrollador. Es probable que hubiera podido estrenarse directamente en formato doméstico emulando a Cult of Chucky y habría encontrado a su público igual.

¿De qué trata Saw VIII? Comenzamos metiéndonos de lleno en un juego macabro: Jigsaw está de vuelta. En esta ocasión atrapará a cinco personas y las enfrentará en una serie de sangrientas trampas como castigo por sus delitos.

Cuando empiezan a aparecer cuerpos esparcidos a lo largo de la ciudad, a cada cual más espeluznante, todas las sospechas comienzan a señalar como culpable a John Kramer, alias Jigsaw, Sin embargo, el asesino lleva más de una década muerto, ¿cómo es posible que haya vuelto a las andadas? Los científicos forenses tratan de encontrar y capturar al responsable a contrarreloj para salvar las vidas de los que siguen atrapados, con la sospecha de que alguien del equipo puede ser estar emulando al famoso psicópata.

En muchos aspectos, Saw VIII tiene cierta cualidad "retro" que estoy segura le hará gracia a los fans de la saga. Hay algo en la estética televisiva que me lleva a pensar en los primeros 2000 con series como CSI aunque también en este halo seriéfilo tiene algo que ver la elección del casting en la que destacan Matt Passmore y Laura Vandervoort, ambos relacionados íntimamente con productos destinados a la pequeña pantalla.

La idea que se puede rescatar como más interesante y que además actualiza un poco el relato es la de la creación de un culto anónimo vía Internet a Jigsaw, sus trampas, su legado (ahora sí veis por dónde iba el título de la peli) y sobre todo su idiosincrasia de justiciero cruel pero revestido de cierta superioridad moral respecto a sus despreciables víctimas.

A estas alturas de la lectura ya habréis comprendido que Saw VIII no aspira a convertirse en obra de culto sino quizás a rescatar una franquicia que estaba de capa caída y ofrecer un episodio más satisfactorio que el séptimo (Saw 3D) como cierre. A mi juicio cumple esa expectativa sin ser una gran película aunque no sé si esto es más producto de sus virtudes o del desaguisado que fue la cinta anterior.

Especial: Diez curiosidades de Paul Newman

Nombre completo: Paul Leonard Newman

Fecha de nacimiento: 26 de enero de 1925 (Ohio)
Fecha de fallecimiento: 26 de septiembre de 2008 (Connecticut)► Paul Newman sirvió de inspiración para las ilustraciones originales del superhéroe Linterna verde cuando se creó en 1959. Newman tenía 34 años.
► Fue uno de los famosos que estaban en la “Lista de enemigos” que mantenía Richard Nixon durante el escándalo del Watergate.

► Entrenó para ser piloto en la Marina, pero descubrieron que era daltónico, lo que puso fin a sus aspiraciones.

► En apenas cinco en meses, en 2003, fue nominado a un Oscar por Camino a la perdición, a un Tony por Our Towny al Emmy por la adaptación a la televisión de esta misma obra.

► Es el padrino de Jake Gyllenhaal.

► Cuando le preguntaron cuál era el secreto para estar casado durante tantos años con Joanne Woodward, respondió: “No sé que es lo pone en mi comida”.

► En mayo de 2007, un año antes de su fallecimiento, anunció que se retiraba de la actuación. No fue la primera vez que anunciaba su retirada, lo hizo en 1995, aunque tras ello hizo otras cuatro películas (Al caer el sol, Mensaje en una botella, Donde esté el dinero y Camino a la perdición), además de tener un papel vocal en Cars.

► Rechazó el papel de Harry Callahan en Harry, el sucio, porque pensaba que el guión era muy de derechas y recomendó a Clint Eastwood para el papel en su lugar.

► Con frecuencia afirmó que El castañazo es la más divertidas de las películas que filmó y también la más divertida.

► En los años 70, Paul Newman intentó por todos los medios adaptar El corredor de fondo de Patricia Nell Warren, una novela de temática homosexual que cuenta la historia de amor entre un entrenador y su corredor estrella. El proyecto jamás fue aceptado por Hollywood.

"Perfectos desconocidos", lo nuevo de Álex de la Iglesia

“El ‘perfecto desconocido’ de esta película es Álex de la Iglesia”. Algo así pensaba escribir en esta crítica mientras veía el último e impersonal trabajo del director de ‘El bar’. Pero luego me di cuenta de que no, de que de la Iglesia ha estado “desconocido” ya otras veces, en otros encargos como ‘Los crímenes de Oxford’ (2008) o ‘La chispa de la vida’ (2011), posiblemente sus dos peores películas. ‘Perfectos desconocidos’ es un remake de ‘Perfetti sconosciuti’ (2016), un taquillazo en Italia que aquí ni siquiera se estrenó. Se lo encargó Paolo Vasile, el jefazo de Telecinco. Y de la Iglesia, que siempre ha renegado de su condición de autor, aceptó. He aquí la gran paradoja: un director que no quiere ser autor pero cuyas mejores películas son las más personales.

‘Perfectos desconocidos’ parte de una atractiva premisa argumental: ¿qué pasaría si un grupo de viejos amigos, tres matrimonios y un soltero, compartieran durante una cena todo lo que les llega al móvil? A priori, las posibilidades tragicómicas y metafóricas de esta idea son enormes. Lo que los móviles esconden puede dar lugar a situaciones hilarantes y dramáticas, a la vez que generar estimulantes reflexiones sobre la pérdida de la intimidad y la hipervisibilidad de la sociedad contemporánea (algo que ha expuesto con brillantez Ray Loriga en ‘Rendición’).

El problema es que esta premisa está desarrollada de forma muy poco ingeniosa. Cuando el personaje de Belén Rueda comenta al principio de la reunión que espera que en la cena “pasen cosas” y Ernesto Alterio replica que “a ver si van a ser cosas malas”, las expectativas del espectador crecen como la luna sangrante de la película. Sin embargo, a pesar de una media hora esperanzadora (por divertida), estas se verán defraudadas. Casi todas las “cosas que pasan” están relacionadas con la infidelidad conyugal. Y la manera de resolverlas es más rancia que ponerse a discutir de vinos en Nochebuena. Las situaciones y los diálogos entre las parejas, con frases del tipo “los hombres sois todos unos cerdos”, están más cerca de ‘Matrimoniadas’ que de, no sé, Cesc Gay, quien borda este tipo de relatos.

Coco, la mejor película de Pixar en años

Aunque la española 'Perfecto desconocidos', de Álex de la Iglesia, le robó el primer puesto en la taquilla el pasado viernes, nadie duda que este será el fin de semana de 'Coco'. No en vano se ha dicho que es el retorno del mejor Pixar, ahogado en los últimos años por las secuelas e incapaz de brillar como lo hacía en sus primeras producciones. Pero, ¿es de verdad esta película lo mejor que podía dar de sí el estudio que nos reagló 'Toy Story' o 'Buscando a Nemo'? 

Sin duda, es muy apropiada en este momento. Reivindicar la cultura mexicana en tiempos de Trump parece algo imprescindible, aunque debemos mirar más allá de su pertinencia y analizar por qué algunos dicen que está llamada a ser una de las mejores películas de animación del año. Nos adentramos así en el Mundo de los Muertos, donde los mensajes sobre la familia y los sueños ocuparán el eje principal de una historia de superación y amor a la música. Y tranquilos: Disney ya ha pedido retirar el corto de 20 minutos de 'Frozen' que aparecía al inicio de cada proyección. Menos mal. 

¡VIVA MÉXICO! Dejando a un lado (de momento) la cuestión sobre su originalidad narrativa, 'Coco' es sin duda un prodigio -visual, emocional, imaginativo- en su retrato de las tradiciones mexicanas. Y su historia está al servicio de ese homenaje. Miguel es un niño con un sueño: ser un músico tan grande como su ídolo, Ernesto de la Cruz. El problema es que, en su familia, la música está prohibida desde que uno de sus antepasados abandonase a su mujer por ella. En el Día de Muertos, Miguel vivirá un punto de inflexión, una colisión entre lo que quiere su familia y lo que quiere su corazón, y acabará inmerso en el Mundo de los Muertos buscando desesperadamente la bendición de sus antepasados para poder volver a casa. Una auténtica montaña rusa de eventos. 

Esta carta de amor a la tradición mexicana del 1 de noviembre es brillante por muchas razones. Primero, por librarse de cualquier estereotipo y tratar una cultura nueva para la 'fábrica de sueños' de forma respetuosa y fidedigna. Segundo, por convertir el marco de esas tradiciones en un agente con el que interactuar, y no en un mero decorado (la intervención de figuras como los alebrijes). Y tercero, por esos guiños tan bien logrados a la cultura inmaterial del país, representados en el arte de Frida Kahlo, los aires musicales de Chavela Vargas o el legado de Jorge Negrete, la presencia de El Santo, y muchos otros "cameos" de las grandes estrellas mexicanas. 

TU HISTORIA ME SUENA Sí, 'Coco' es un deslumbrante homenaje a México. Pero su historia ya nos suena. ¿Un niño luchando por su sueño imposible y una familia en contra? Ahí tenemos 'Ratatouille'. ¿Un mito caído? El villano de 'Up'. ¿Un animal algo enloquecido, pero muy adorable? Mirad el gallo de 'Vaiana'. ¿La importancia de la familia? 'Toy Story', 'Bichos' y sigue sumando. ¿Ese tipo de desenlace que -no sufráis- no desvelaremos aquí? Lo hemos visto miles de veces. ¿Un viaje entre espíritus con aires de 'coming-of-age'? Ni siquiera tiene que ser en Pixar: hay un aroma a la mezcolanza cultural y construcción de un espacio único de 'El viaje de Chihiro' bastante importante, aunque mucho más simplificado. De hecho, incluso el mismo Día de Muertos ya se representó de una forma sorprendentemente parecida en la reciente 'El libro de la vida', también de animación, y posiblemente el título que más se le parece. 

Como vemos, 'Coco' tiene un pequeño complejo de Frankenstein bien construido, pero que al fin y al cabo se forma a través de elementos que ya hemos visto muchas veces. Esto no es necesariamente malo: es evidente que funciona, y muy bien. Pero sí nos hace pensar en la situación de un estudio como Disney-Pixar y su necesidad de reinventarse más. De ser más atrevido, de no buscar el argumento fácil para contentar a los más pequeños y la consciencia de la muerte extremadamente original para emocionar a los adultos. Quizás necesitemos algo más en una historia que da muchos giros de guion, que sube y baja entre revelaciones y clímax emocionantes, pero esconde en su interior una preocupante falta de ideas. 

ÚLTIMO ESTRENO: EL REY TUERTO

Dos amigas, Lidia (Betsy Túrnez) y Sandra (Ruth Llopis), que llevan mucho tiempo sin verse deciden organizar una cena de parejas para así conocer a sus respectivos novios: David (Alain Hernández), un policía antidisturbios, e Ignasi (Miki Esparbé), un documentalista social que perdió un ojo por culpa de una bola de goma que le golpeó en una manifestación. Todo ello amenizado por los discursos que un político (Xesc Cabot) da desde la televisión. Cuatro personajes que quedan para cenar, recordar viejos tiempos y ponerse al día... sin saber que David dejó tuerto a Ignasi. 

El rey tuerto es la adaptación de la exitosa obra de teatro de Marc Crehuet, que también dirige y escribe la película.

Las relaciones entre el teatro y el cine siempre han sido complicadas. Cuando una película basada en una obra teatral es demasiado claustrofóbica se dice que es excesivamente "teatral"”. Y cuando se intenta que sea más "cinematográfica", también se abjura de ella por haber querido "airear" un texto que quizá no lo necesitaba. ¿En qué quedamos? Cineastas como Joseph L. Mankiewicz o Jacques Rivette zanjaron ya la cuestión, sancionados por el patrón Jean Renoir, demostrando que filmar el teatro sin filtros, con absoluto rigor, no es lo mismo que hacer "teatro filmado". De hecho, cuando una cámara se introduce en una obra teatral para extraer de ella todos sus secretos está haciendo cine puro, ese que tiene que ver con la puesta en escena y el actor, los elementos fundamentales de una película. ¿Es lo que ocurre en El rey tuerto -adaptación de la obra de Marc Crehuet llevada al cine por él mismo en lo que constituye su ópera prima- donde cuatro actores y un decorado bastan para explicar una historia? No diría yo eso, sobre todo desde el momento en que el autor-director se limita a ilustrar su propio texto con un cierto olfato y un sentido del espectáculo muy del gusto de determinado público teatral, que consumirá la película de la misma manera que consumió la obra, es decir, con ganas de ver un conflicto dramático más bien elemental expuesto con absoluta claridad, sin matices ni deseos de indagar en lo que significa ese hecho (en el fondo tan misterioso) de que ciertos diálogos teatrales se transmuten en cine. 

NUEVA PELÍCULA: SANTIAGO BERNABÉU

El estadio Santiago Bernabéu acogió el estreno de la película documental Bernabéu, un largometraje sobre la figura del que fuera presidente del Real Madrid durante 35 años. Florentino Pérez e Ignacio Salazar-Simpson, director de la película, acudieron a la proyección de un documental que fue presentado por Movistar y se podrá ver en las salas de cine a partir de este viernes, 10 de noviembre. También asistieron el presidente de honor del club, Paco Gento, junto a veteranos como Amancio, Pachín y Santamaría.
 La grada baja lateral del estadio se llenó de aficionados dispuestos a conocer, a través de las cinco pantallas gigantes instaladas en el terreno de juego, la vida de una figura mítica en la historia del Real Madrid. Tomando como base diversos materiales de archivo, el documental analiza la trayectoria de Santiago Bernabéu y del Real Madrid, desde sus orígenes hasta la era moderna. Antes de que comenzara la proyección, Ignacio Salazar-Simpson tomó la palabra: “Cuando comenzamos a investigar sobre la vida de Santiago Bernabéu nos fuimos ilusionando al descubrir sus valores y principios, que le hicieron convertir al club en lo que es hoy en día. Me gustaría agradecer al Real Madrid y a Florentino Pérez su apoyo incondicional desde el primer momento. Todos los departamentos nos han ayudado a terminar la película y nos hace mucha ilusión estrenarla aquí, en el Santiago Bernabéu”.